TÉCNICAS DE CANTO USADAS NO ROCK

Para melhor compreendermos as diferentes técnicas usadas no canto usaremos como exemplos cantores de rock, visto que a enorme abrangência d`esse estilo musical em termos de influências de outras vertentes nos suprirá a contento de qualquer base a que venhamos necessitar.

E como primeiro exemplo citaremos a um cantor brasileiro muito conhecido do grande público e que nos servirá como um importante referencial, visto que o seu trabalho nos apresenta dois diferentes aspectos importantes relativos ao nosso assunto. Começaremos com o cantor baiano Raul Seixas.

Analisando a sua voz falada, qualquer professor de canto diria que Raul se enquadrava na classificação vocal erudita como um “tenor”, isto é, a voz mais aguda d`entre as masculinas, visto que geralmente os tenores apresentam uma voz falada “pequena”, quase anasalada, e seus graves são bastante limitados. Entretanto, Raul (como Chico Buarque, e outras centenas de outros artistas) nunca desenvolveu o seu canto de maneira profissional e sistemática por sempre acreditar que “não era cantor, apenas usava de sua música para dizer o que pensa”. Ledo engano. Todas as vozes são feitas para o canto, nenhuma voz é boa ou ruim, todas elas podem ser moldadas e “consertadas” com estudo e disciplina.

Na canção “Eu também vou reclamar” Raul usa de uma técnica vocal básica utilizada principalmente pelos locutores de rádio, que é a simples “impostação de voz”. Como trata-se de uma canção explicitamente “Bob Diliana”, ele canta como se estivesse apenas narrando uma história (note como a melodia vocal não apresenta muitos floreios de notas, é quase como se ele estivesse falando normalmente). Na “impostação” apenas usa-se de uma ressonância bastante “abdominal”, e uma emissão vocal firme como no “belting”. As palavras são pronunciadas de forma bastante aberta, com muita expressão facial, para obtermos brilho, clareza vocal.

     Tomemos, agora, outro exemplo em que ele usa uma abordagem totalmente oposta: a música “Maluco beleza”. Surpreendentemente, nela ouvimos a um Raul Seixas lírico, talvez essa música seja o seu ponto mais alto como cantor, visto que trata-se de uma melodia complexa e seu registro de estúdio (disco) apresenta uma qualidade de canto sofisticada ao nível profissional (aparentemente, graças aos recursos do “overdub”, visto que ele mesmo nos assegurava de que não treinava técnicas vocais, e na época ainda não existia o “Pro Tools” com seus recursos de “auto-tuner”). Nela, Raul usa a técnica de head-voice, conhecida no Brasil como “voz de cabeça”: Note que os agudos são atingidos sem o aumento da dinâmica/intensidade da voz, Raul canta com a leveza de um cantor de bel-canto, usando muitos “glissandos” (principalmente na parte em que ele canta “apren-dendo-a-ser-louco”) e sustentações de voz com vibrato de diafragma. Para se cantar a essa canção, deve-se treiná-la com mínima intensidade, e sem recorrer a falsetes nas partes mais agudas da melodia da estrofe ou, melhor dizendo, sem quebra de voz. Mas atenção, também é muito interessante notarmos que nesta mesma canção Raul deixa de usar a voz de cabeça para usar o belting quando começam os refrões. E, como referencial, sugiro ao estudante analisar, também, á (muito bela) canção “A hora do trem passar”, onde Raul também canta quase da mesma forma. São dois exemplos muito bons para nos acostumarmos a cantar com a voz de cabeça.

[Mas atenção: Essa tonalidade (C, Do) é para tenores ou barítonos avançados, não cante músicas que não forem de sua tessitura vocal, se for o caso transporte a tonalidade para cima, ou para baixo.]

Passando para outro artista, usaremos como exemplo ao trabalho de Renato Russo. Renato era um barítono, ou seja, a sua voz era média. Isso significa que ele podia transitar tanto pelas notas graves, como pelas agudas... Mas sem poder chegar aos extremos de nenhuma delas. Entretanto, Renato gostava muito de abusar de seus agudos para intensificar suas interpretações, e acompanhar á dinâmica do conjunto de rock que o acompanhava (a Legião Urbana), e então ele recorria muitas vezes ao “belting” para dar mais peso. Fica mais fácil percebermos o quanto Renato usava de impostação torácica (“voz de peito”) principalmente quando reparamos nas partes mais graves de suas canções, quando ele cantava como o “Ian Curtis”. E, quando ele subia o tom (como em “Fábrica” e “Daniel na cova dos leões”, só pra usarmos dois exemplos) era inevitável: belting.

      Para um bom belting devemos “abrir” a região do pescoço sem tencionarmos e nunca forçar a musculatura, o que poderia gerar calosidades vocais irreversíveis. Uma boa canção da Legião Urbana para se treinar belting é a “Que país é este”: Tente alcançar a linha melódica do refrão principal com a voz clara e forte, mas de forma confortável, sem gritar. Se você estiver achando dificultoso, forçoso, alcançar ao tom, você não está cantando em belting, você está apenas gritando.

Agora vamos aos cantores internacionais. Inevitavelmente iremos começar por quem eu acredito seja o maior cantor que já fez parte de um conjunto de rock (muito embora não seja o meu preferido, apenas analiso-o neste momento por seu domínio de técnica) que é o vocalista da banda Queen, Freddie Mercury. Seu head-voice em “Old fashioned lover boy”, por exemplo, é tão alto que nos chega a parecer o canto de uma mulher. E seu domínio de belting em “I want to break free” eu só vi reproduzido satisfatoriamente por cantores “cover” excelentes. O próprio Freddie deixava um pouco a desejar nos registros ao vivo dessa canção pelos excessos cometidos por ele, como beber cerveja gelada durante a apresentação, e seus famosos melismas que ele improvisava para cantar com o público e que, com certeza, aceleravam em muito a fadiga de suas cordas vocais. De qualquer forma, apenas com a audição de seus registros ao vivo de “Somebody to Love” (onde ele chega a nos mostrar melismas de quatro notas por segundo) já é o bastante para se comprovar a sua surpreendente perícia vocal.

Bruce Dickinson (vocalista da banda Iron Maiden, e quase sempre citado como referência quando o assunto é “cantar rock”) nos apresenta uma técnica vocal bastante polêmica, visto que ela é muitas vezes confundida por “professores de canto” com o head-voice, ou com o belting. Entretanto, fica óbvio para o estudante atento percebermos que não se trata nem de um, e nem do outro, mas de um registro vocal misto, onde sua base característica são os agudos muito famosos dos cantores de óperas. Muitos cursos de canto abordam o tema, mas apenas com as descrições fisiológicas de “laringes e pregas vocais” (talvez disfarçando o próprio indomínio do “professor” sobre a técnica), e quase nenhum estudante irá conseguir compreender – e pôr em prática - o assunto apenas através de tais descrições. A forma mais fácil e aproximada de mostrarmos onde necessariamente essa emissão vocal se inicia é tomarmos como exemplo (um tanto estranho, concordo, mas eficaz) o nosso típico “bocejo”: nesse “uaaa” gerado, repare onde a voz é colocada, e compare com um “uaaa” falado normalmente. É exatamente aí que a voz deve ser colocada para o correto apoio dos agudos!

Na história do rock tivemos alguns cantores que saíram dos parâmetros convencionais e trouxeram inovações, muito embora algumas d`essas “inovações” (apesar de terem indubitavelmente, imortalizado aos intérpretes em registros de estúdio formidáveis) acabaram sendo tão extremas, que danificaram irreversivelmente as suas cordas vocais, e em muitos casos exigindo intervenções cirúrgicas e - até mesmo -  encerrando a carreira do artista. Neste assunto temos exemplos que vão desde Axl Rose, Robert Plant e Roger Waters (respectivamente, vocalistas do Guns`n Roses, Led Zeppelin e Pink Floyd), que são os exemplos mais duros do quanto os excessos podem ser prejudiciais, visto que o timbre vocal dos três fora inevitavelmente deformado, e para comprovarmos isso basta escutarmos aos registros mais recentes de seus trabalhos. Claro que, para se terem imortalizado com suas bandas, tal sacrifício talvez tenha sido voluntário (e satisfatório para eles) esta é uma questão bastante pessoal (eu, particularmente, acredito que tais sacrifícios foram válidos, se foram conscientes), mas basta buscar para encontrarmos outros exemplos de artistas que alcançaram o mesmo estrelato, mas sem pagar o preço com suas vozes.

Os melhores exemplos de cantores que souberam muito bem usar de seus extremos vocais sem danos ao trato vocal, mesmo alcançando tons surpreendentemente altos que qualquer professor de canto desaconselharia julgando-os extremamente danosos, foram Paul Stanley (do grupo Kiss) Steve Tyler (do grupo Aerosmith). Basta compararmos ao registro de estúdio original de “Rock bottom” com sua versão acústica ao vivo gravada décadas depois, para comprovarmos (com grata surpresa) de que o alcance e domínio vocais de Stanley só fizeram por melhorar. E, nesse mesmo concerto ao vivo (Unplugged MTV), Stanley canta “I still loving you” com uma técnica de vibrato laríngeo impecável, senão inédita na história do rock mundial.

     Que dizer, então, de nosso velho Steve Tyler? Na década de noventa o Aerosmith teve uma feroz alavancada em sua carreira, embalada em canções de claras intenções pop, mas a voz de Steve estava com um alcance vocal tão eficaz que fez com que os adolescentes se enganassem pensando se tratar o Aerosmith de uma banda “nova”... Na verdade, o Aerosmith já existia há décadas atrás!

Essas são as duas principais provas vivas de que não é preciso estragar a voz para se fazer coisas surpreendentes. Somente precisamos de disciplina e – principalmente – muito treino e repetição. Esse é o detalhe que diferencia o virtuose, de um artista medíocre: a disciplina militar de treinos diários.

Seguem abaixo algumas canções selecionadas por mim para treinos autodidatas

Para treinos com head voice (tenores, ou barítonos avançados):

Babe, I love your way (Peter Frampton)

Kiss from a rose (Seal)

It ain`t over till it`s over (Lenny Kravitz)

Blue (Geoffrey Williams)

How come, how long (Babeface)

Para treinos com belting

Don`t go away (Oasis)

Travelling band (Creedence Clearwater Revival)

Walk, idiot, walk (The Hives)

Sweet Leaf (Black Sabbath)

Para treino com melismas

Edie (The Cult)

Sanssouci (Rufus Wainwright)

Your Savior (Temple of the dog)

Para treinos com voz de peito (graves)

We could be so good together (The doors)

Your latest trick (Dire Straits)

Considerações finais

     Lembre-se, só a prática constante levará a um aumento gradativo de suas capacidades, mas muito cuidado com os excessos.

Deve-se, também, fazer-se constantemente uma auto-análise para a correção de vícios. Uma boa dica é sempre gravar seus registros, para depois ouvi-los com atenção.

Outro detalhe muito importante: Nenhum cantor do mundo é capaz de cantar todas as músicas que ele gosta. Muitas vezes nos deparamos com canções que - por mais que tentamos - não se encaixa em nosso timbre vocal, e isso acontece até mesmo com canções de artistas com o nosso mesmo naipe vocal. Isso ocorre porque as vozes possuem características muito particulares e – da mesma forma como uma impressão digital – únicas. Muitos artistas “cantam bem” músicas de outros cantores por conseguirem sencilhamente imitar ao timbre deles, mas isso é um erro comum.

O verdadeiro artista nunca imitará a ninguém. Ele poderá cantar a mesma melodia, com a mesma letra, mas a sua interpretação deverá ser sempre individual. Caso contrário, não será “arte”, mas apenas uma imitação.

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